La Fata di Richard Strauss

Come molte fiabe, Die Frau ohne Schatten è fatta di desideri e maledizioni, minaccia e grazia, sforzi umani e forze soprannaturali, il tutto racchiuso in un lieto fine. Nessuna descrizione semplicistica dell’opera di Richard Strauss del 1919, su libretto di Hugo von Hofmannsthal, può rendere giustizia alle esigenze tecniche, alle dimensioni tentacolari, alla maestria artistica e alla visione inquietante di quest’opera imponente e straordinaria.

Con un vibrante ritorno alla San Francisco Opera dopo un'assenza di 34 anni, The Woman Without a Shadow ha riempito il War Memorial Opera House fino a traboccare alla sua apertura domenica 4 giugno. In effetti, con una forza possente di 96 musicisti nella buca dell'orchestra e un coro di ottoni, solisti vocali e due diversi cori di stanza nel Grand Tier e in altri luoghi fuori dal palco, il teatro è diventato una sorta di universo sonoro per la coinvolgente e scintillante partitura di Strauss.

L'ex direttore musicale dell'opera di fantascienza Donald Runnicles è stato il maestro di tutto, dirigendo un'esecuzione vitale della partitura, di volta in volta impetuosa e flessibile, assertiva e sensibile a ogni sfumatura drammatica. Sebbene il pezzo richieda un canto eroico – nessuno più scintillante di quello del soprano Nina Stemme in questa produzione – la grandezza dell’opera è inerente al carattere, alla poesia musicale e alla spina dorsale narrativa della partitura orchestrale. Anche nei molteplici cambiamenti di set che il lavoro in tre atti e 11 scene richiede nel suo tempo di esecuzione di tre ore e 45 minuti, Runnicles e il suo grande ensemble hanno dispiegato una linea accattivante.

Anche il colore è essenziale, sia negli archi incantevoli, nel cinguettio tagliente dei legni, o in alcuni tocchi meravigliosamente strani (un'armonica di vetro, nacchere). Tutto ciò corrispondeva alla tavolozza di colori saturi dei set biomorfi brillantemente inventivi di David Hockney, portati in vita dalla realizzazione di Justin A. Partier del progetto di illuminazione originale di Alan Burrett per la produzione del 1992. I cieli astratti diventano vedute viola intenso di terre lontane. Una gigantesca rampa curva si snoda dentro e fuori dalla vista. La facciata tozza e imponente di un tempio incombe su un lago nebbioso. Le tende scoraggianti definiscono la dura vita di un tintore.

Due donne, provenienti da ambiti diversi, sono i punti focali del testo simbolico, a volte oscuro e ideologicamente problematico. Avere un'ombra, propone la storia, significa possedere la capacità di avere figli e, per estensione, di realizzare il significato e il destino di una donna. Un coro di bambini angelici non ancora nati sottolinea infine il caso, in un messaggio decisamente pro-vita e anti-scelta per le orecchie contemporanee.

Spinta dalla sua infermiera (un'imperiosa e connivente Linda Watson, in uno dei tre principali ruoli di soprano), un'imperatrice sovrumana (una Camilla Nylund dalla voce argentata ma deludente) si propone di rubare l'ombra della moglie di un tintore. Se dovesse fallire, una maledizione decreta che suo marito (il tenore David Butt Philip, bravo in un ruolo limitato) si trasformerà in pietra entro tre giorni. Nel corso dell'opera si susseguono complicazioni assortite di colpa, avidità, tentazione, rimorso e riconciliazione.

Stemme, che ha ricevuto la medaglia dell'Opera di San Francisco sul palco durante le chiamate al sipario di domenica, ha dato una performance nei panni della moglie del tintore che variava dal grintoso al dorato, dal terroso allo straziante e nel complesso glorioso. All'inizio, nella sua vita quotidiana con il suo ignaro marito Barak (il basso-baritono Johan Reuter, in una svolta ringhiante e caotica), Stemme's Wife si registrava con frasi ritagliate, quasi superficiali. Mentre il suo senso di possibilità si espandeva con le promesse di amore e ricchezza da parte della ferrea Infermiera e dell'ambivalente Imperatrice, il potere naturale e lo splendore brillante della voce di Stemme catturavano la turbolenza emotiva e le risposte labili del personaggio.

La regia di Roy Rallo non era una risorsa importante della produzione. A volte andarsene abbastanza bene da solo andava bene, permettendo alla musica e alle esuberanti immagini di scena di Hockney di portare il flusso. In altri punti, soprattutto nel secondo atto, l'azione sembrava artificiosa. Con un tocco divertente, il ballerino Christopher Nachtrab è apparso come un seducente amante dei giochi a molla mentre altre braccia si agitavano in modo allettante dall'interno del cubo.